No
hay duda que el metal extremo está viviendo unos grandes años. La
escena, aún manteniendo su espíritu underground,
está
totalmente viva, tanto en nuevas e interesantes bandas como en
veteranas formaciones de culto que regresan para reivindicar su
legado, ya sea por medio de giras conmemorativas (Vomitory), o
incluso atreviéndose a publicar material nuevo (Pestilence),
consiguiendo lo más importante: ganar nuevos adeptos entre un
público joven y fiel.
Los
norteamericanos Possessed son un clarísimo ejemplo de banda de
culto. Formados en San Francisco en 1983, en plena eclosión del
movimiento thrash metal, nunca consiguieron la relevancia de otros
compañeros de género y ciudad, pero su particular visión del
estilo, plasmada en los clásicos Seven
Churches (1985)
y Beyond the Gates
(1986),
supuso toda una revelación para formaciones posteriores, no siendo
pocas las voces que los coronan como una de las bandas fundadoras del
estilo más adelante conocido como death metal. Tuvieron una carrera
con bastantes altibajos y sin llegar nunca al gran público, hasta su
disolución definitiva en el año 1989.
Su regreso se produjo en 2007, un regreso un tanto engañoso, ya
que de la formación original solo permanecía su legendario
cantante, Jeff Becerra, desgraciadamente postrado en silla de ruedas
tras un disparo fatal sufrido durante un robo. Esta nueva etapa de la
banda se había circunscrito únicamente a las actuaciones en
directo. Hasta ahora, cuando el bueno de Jeff se ha decido por fin a
componer y editar un nuevo disco, que supone el primer trabajo en
estudio de la banda en nada menos que 33 años (para que luego nos
quejemos de la tardanza compositiva de gente como Metallica o
Rammstein).
Editar
un disco tras tanto tiempo es sin duda un movimiento muy arriesgado,
ya que es tremendamente difícil, por no decir imposible, satisfacer
las altas expectativas, así como luchar contra la nostalgia de los
fans que, sin duda, tienen sus dos anteriores obras en un pedestal,
especialmente Seven
Churchs,
que está considerado unánimemente como uno de los mejores trabajos
del género. No obstante se agradece que asuman el riesgo,
reivindiquen su nueva encarnación y no se limiten a estirar el
chicle y vivir únicamente de las rentas.
Entrando
en harina podemos afirmar que estamos ante un disco bastante
competente y disfrutable aunque, como era de esperar, se encuentra
unos cuantos peldaños por debajo de Seven
Churchs y
Beyond the Gates.
Tanto
en producción como en composición Possessed han intentado darle un
toque moderno a su nuevo disco, optando más por la frescura que por
el refrito, algo bastante loable cuando está claro que la salida
fácil hubiese sido tirar de nostalgia. Eso tampoco significa que
hayan dado un giro de timón a su propuesta, para nada, seguimos ante
unos trallazos de puro thrash/death directo, contundente y sin
demasiadas complicaciones, pero que como apuntamos suena actual y no
como un intento de recuperar el espíritu ochentero.
Jeff
Becerra se encuentra en un gran estado de forma, algo esencial ya que
sin duda su trabajo supone el pilar del álbum y el elemento que va a
ser analizado con mayor profundidad por los fans. Afirmamos que su
aportación no decepcionará a nadie, sacando de su garganta toda la
fuerza y carácter que cabría esperar. Otro que está tremendo en su
puesto es el batería Emilio Marquez, que ofrece un tremendo
despliegue de energía y recursos para que no puedas parar de
cabecear durante la totalidad del disco. La banda en general suena
fuerte, profesional y firme, y da ni más ni menos que lo esperado:
un puñado de temas agresivos y sin pretensiones enfocados a la pura
descarga de adrenalina y violencia. Podemos destacar Shadowcult,
Damned, Omen o
No More Room in
Hell, plagados
de riffs, solos, fills de batería y todos los elementos exigibles a
un trabajo de este tipo.
Como
único punto negativo podríamos apuntar a la duración del álbum.
Casi una hora de música, repartida en 12 temas, lo que implica que
se puede hacer algo largo, más teniendo en cuenta que todos los
temas siguen una dirección bastante definida y algo monótona. Opino
que con dos o tres temas menos resultaría más directo y compacto,
aunque por supuesto habrá seguidores que tras tan larguísima espera
incluso hubieran querido un par de temas más.
En cualquier caso estamos ante un regreso bastante digno de una
banda mítica, un trabajo respetuoso con su legado y que a la vez
intenta sonar fresco. No revolucionará el género (ni lo pretende)
pero resulta ideal para darle al play al máximo volumen y olvidarse
de todo durante una horita.
Por tercer año consecutivo nos tocó hacer acopio de rosarios,
agua bendita y demás elementos religiosos de protección y preparar
el petate para ponernos en marcha dirección Portugal, con la misión
de sobrevivir a uno de los festivales más veteranos y salvajes de la
península, el SWR Barroselas Metalfest, que este año celebraba su
22 edición.
Para quien no tenga referencias de este festival diremos que es
una de una de las propuestas más auténticas y exclusivas que se
pueden disfrutar dentro del campo del metal extremo, experimental y
de vanguardia. Se trata de un festival pequeño y familiar, donde
prima la comodidad en el recinto y el buen rollo entre los asistentes
y sirve como inmejorable pistoletazo de salida a la temporada
festivalera. Durante tres días el pequeño pueblo de Barroselas se
transforma en centro neurálgico del paganismo, gracias a un cartel
confeccionado con un gusto exquisito. Este siempre es uno de los
puntos fuertes del festival, el cartel, donde predominan bandas de
culto, otras en alza y propuestas extrañas difíciles de ver. Muchas
veces se ha preguntado a la organización como, siendo un festival ya
asentado y veterano, no prueba a apostar por nombres más mainstream
para intentar dar un salto en popularidad. La respuesta por parte
de los organizadores siempre ha sido la misma: «Eso no va a pasar»,
la intención siempre ha sido conservar su identidad y espíritu de
festival pequeño y exclusivo. Personalmente aplaudo esta claridad de
ideas e integridad, y que no tengan en mente meterse en la lucha
encarnizada por conseguir la exclusividad más rimbombante que les
proporcione visibilidad y visitas. Este festival va a lo suyo y
consigue mantenerse tranquilo y solitario en su parcela, ganándose
un publico fiel que sabe perfectamente lo que esperar y que repite
año tras año. El gusto musical de la organización es intachable en
su campo y, aunque al ver el cartel la mitad de los nombres ni te
suenen, sabes perfectamente que vas a descubrir cosas y volver a casa
con varios nombres en la libreta sobre los que indagar
posteriormente, y ese es uno de los puntos clave de un festival de
música, que abra los oídos a su público y les descubra nuevas
experiencias. Puede echar para atrás en un primer momento una
apuesta tan marcada por lo extremo y extraño, pero os aseguro que,
una vez inmerso en la burbuja del festival, uno se mimetiza
totalmente con el entorno, y no son pocos los que acaban sufriendo
una revelación, volviendo cambiados a sus hogares y escuchando
bandas que jamás imaginarían ya que antes no eran capaces de
entenderlas.
El festival se celebra todos los años en un polideportivo a las
afueras del pueblo de Barroselas, en el que se habilitan diversas
carpas para las actuaciones. Al ser bajo techo se aseguran de
protegerse de las posibles inclemencias del tiempo y, lo que es más
importante, se crea la sensación de asistir a conciertos en sala,
algo imprescindible para crear la atmósfera adecuada. Personalmente
no concibo ver a bandas como Imperial Triumphant o Venenum
bajo el sol y la claridad de la tarde. Por suerte en Barroselas
siempre es de noche, una noche eterna que arropa y hermana a músicos
y público. Por su parte la acampada se sitúa en una zona boscosa
pegada al recinto, lo que hace que las distancias sean nulas,
añadiendo así un extra de comodidad.
Como novedad este año hemos visto la desaparición de la moneda
del festival. Las compras esta vez se realizaban cargando dinero en
la pulsera oficial. Con este cambio sin duda se ahorra en medios y se
apuesta por la comodidad, aunque según las manías de cada uno es
mejor o peor de esta forma. Personalmente me resulta más difícil
controlar el gasto con este sistema, especialmente al ir ya mamado.
Vendría a ser como la diferencia de salir de fiesta con dinero en el
bolsillo o tirar de tarjeta de crédito, todo un peligro para
algunos. Las actuaciones se desarrollan en tres escenarios, uno
gratuito y de libre acceso y otros dos solo accesibles a quienes
tuvieran la pulsera. Evidentemente había que pasar un control a la
entrada de estos escenarios, pero me sorprendió este año que
también hubiese un control a la salida, algo que no ocurría en
pasadas ediciones y que veo totalmente innecesario, debido a ello al
salir de las actuaciones principales del día se vivió algún
pequeño embotellamiento totalmente evitable. Pero como ya hemos
dicho este festival no está en absoluto masificado (sin contar con
cifras oficiales calculo que la asistencia rondaría en torno a dos
mil personas por jornada), así que tampoco resultaba dramático
esperar un par de minutos para salir, no obstante como digo lo veo
innecesario y evitable.
Los horarios siempre se siguen de forma escrupulosa, y el final
de la actuación en un escenario marcaba el inicio inmediato de otra
descarga en otro escenario, planificados sin ningún solape, de esta
forma quien quisiera podía ver todas las actuaciones del día
perfectamente. Otro punto que siempre ha destacado en este festival
ha sido el buen sonido en todos los escenarios. Por desgracia este
año no ha sido así, y el sonido del escenario Dungeon resultó
bastante irregular durante los tres días, creando una bola de sonido
bastante poco definida en alguna de las propuestas más extremas, una
lástima y un impedimento para disfrutar plenamente de las
actuaciones.
Pasemos ya al repaso de los conciertos que pude ver.
Lamentablemente mi integridad física y mental me imposibilitó ver a
todas las bandas del cartel, no obstante os invitamos a que
completéis esta crónica con vuestra experiencia del evento en la
sección de comentarios.
DIA 1
Tras montar debidamente la que sería mi base de operaciones y
aprovisionarme de comida y alcohol en el supermercado más cercano,
me dirigí a la inauguración del escenario Dungeon con los
brasileños Woslom, que practicando un thrash veloz de la
vieja escuela consiguieron desperezar a los primeros asistentes, a
pesar de contar con un sonido algo deficiente y emborronado, que como
ya comentamos sería la tónica durante todo el festival en ese
escenario.
Tras ellos se abrían las actuaciones en el escenario principal,
bautizado con el nombre Abyss, a cargo de Analepsy. El sonido
en este escenario era bastante más claro, y la banda portuguesa pudo
descargar sin impedimentos su death brutal perfectamente ejecutado.
No tuvieron piedad con el público y les arrojaron una buena ristra
de temas caóticos y densos para que se hicieran una idea de lo que
les esperaba los próximos días. El único punto negativo fueron los
excesivos parones entre temas, que restaron dinamismo a una actuación
por lo demás bastante correcta.
Morte Incandescente ocuparon su lugar seguidamente en el
escenario Dungeon para darnos una ración de black metal clásico. El
sonido desde el principio fue bastante deficiente, carente de
contundencia y con una batería que se comía todo el espectro
sonoro. Estos problemas se fueron solucionando ligeramente con el
trascurrir de los temas, pero la sensación era que no terminaban de
despegar. El trío portugués puso de su parte, pero desgraciadamente
su actuación quedó totalmente deslucida por el sonido.
De vuelta al escenario grande para el inicio de los platos
fuertes, y de que forma, con una actuación de notable alto por parte
de los alemanes Venenum. Esta banda asienta los cimientos de
su sonido en el black metal, pero casi inmediatamente te das cuenta
de que son bastante más que eso. En su sonido apreciamos todo tipo
de influencias: black, death, thrash, doom, psicodelia... por lo que
los temas resultan dinámicos, sorprendentes e interesantes para el
oyente. Los pasajes densos, psicodélicos y atmosféricos se
mezclaban a la perfección con los arranques de violencia más
extrema, creando unas dinámicas interesantes que hacían que no
decayese la atención. El sonido, sin ser malo, tampoco fue
espectacular. Al bajo le faltaba potencia y a las guitarras
definición. Sin duda habrían ganado puntos con un mejor sonido que
permitiese apreciar todos los detalles de su música. El concierto
fue de menos a más, mejorando en sonido y creciendo en intensidad, y
acabó por todo lo alto con un clímax totalmente hipnótico. Una muy
buena banda, con buenos músicos y temas ambiciosos. Quizás se los
veía algo desconectados del público que no era fan, pero ofrecieron
sin duda uno de los mejores conciertos del día.
Otra agradable sorpresa nos llevamos también con los italianos
Grime. El trío subió al escenario y descargó su sludge
denso, monstruoso, pesado y ultra grave, sacado sin duda de las
peores pesadillas, donde destacaba la voz totalmente agónica de su
cantante, voz que parecía surgir del rincón más oscuro del pantano
más inhóspito. A pesar de que su propuesta resultó algo repetitiva
se consiguieron ganar al público, pasando a ser una de las sorpresas
de la jornada.
A las diez de la noche hicieron su aparición los americanos
Midnight, banda muy esperada a la vista de la reacción del
público y la cantidad de gente que lucía sus camisetas. No
defraudaron en absoluto con su show desenfadado y dinámico de black
n' roll con toques punk. La banda estaba totalmente motivada,
derrochando actitud, cercanía y carisma. El sonido acompañó,
resultando compacto y lujurioso y haciendo que las primeras filas se
desbocaran totalmente. Con la gente en estado de locura se marcaron
un show muy destacable que sin duda dejó a los fans de la banda con
una sonrisa de oreja a oreja.
Los siguientes en subirse al escenario grande fueron los también
muy esperados The Black Dahlia Murder. La banda estadounidense
no decepcionó en absoluto, saliendo a comerse el escenario desde el
minuto uno, moviéndose y animando al personal y recibiendo, como era
de esperar, alocados mosh y circle pit entre las primeras filas. El
sonido fue notable, seguramente el mejor del día, con las guitarras
quizás demasiado altas como única pega. Basaron el setlist en su
último trabajo, Nightbringers, editado hace ya año y medio,
pero también hubo espacio para clásicos como Unhallowed o
What a Horrible Night to Have a Curse. Aunque toda la banda
estuvo perfecta no puedo dejar de destacar a su solista, Brandon
Ellis, que dio una lección impresionante de técnica y pulcritud. Un
show de 12, sin descanso ni piedad y con una ejecución perfecta para
el que fue seguramente el mejor concierto del día.
Tras la lección de tablas y técnica desplegada por The
Black Dahlia Murder tocaba moverse de escenario para algo
distinto y más desenfadado por parte de Skull Fist. Su
propuesta se alejaba un poco de la tónica del festival con su mezcla
de hard rock y NWOBHM, y sirvió perfectamente para cambiar un poco
el chip y pasar un buen rato. El sonido al comienzo fue desastroso,
la mezcla estaba totalmente descompensada y una de las guitarras
directamente ni se oía, pero eso no amedrentó ni a la banda ni a
sus fans que ya desde el primer tema, Ride the Beast, de clara
influencia Crüe, se dejó llevar y disfruto de un show por lo demás
bastante dinámico.
Otro esperado momento llegaba en el escenario grande con el
mítico dúo Godflesh. Personalmente tenía muchas ganas de
ver a esta banda de culto, que ha sido una gran influencia dentro del
metal moderno, pero por desgracia tengo que admitir que presencié un
show bastante decepcionante. La excesivamente austera puesta en
escena, el sonido mediocre y la nula comunicación con la gente
amuermaron a un público que ya acusaba el cansancio tras una dura
jornada. Por supuesto hubo temazos como Post self o Like
Rats, pero excepto algún ultra fan en las primeras filas la
tónica general entre el público era el aburrimiento. Vale que las
baterías fuesen programadas pero, ¿en serio tenía que ser el
propio Justin, con su mac al lado del escenario, quien las disparase?
¿De verdad no tenían un pipa por ahí para hacer eso y evitar los
incómodos parones entre temas? Detalles como este y la ya mencionada
nula interacción con el público hicieron que aquello se asemejase
más a un ensayo que a un concierto propiamente dicho. Como decimos
una decepción y una lástima.
Por suerte el mal sabor de boca nos lo quitó, pasadas ya las
tres de la mañana y en el escenario gratuito, el bueno de Sette
Sujidade con su proyecto Scuru Fitchadu. Con su extraña
mezcla de punk, electrónica y música tradicional africana, puso a
bailar a toda la gente de la carpa mientras él y su compañera se
movían alocados y realizaban danzas tribales. Originales y
tremendamente vistosos, a ratos parecían ser una extraña versión
lusa de Die Antwoord. Un muy buen show, enérgico y llamativo, en el
que incluso tuvieron un momento para recordar al llorado Keith Flint,
realizando una versión de Firestarter que, aunque regulera,
resultó bastante emotiva. Inmejorable forma de acabar la jornada y
alejarse rumbo al bar, o al bosque, según gustos del consumidor.
DIA 2
La tónica climatológica este año fue el buen tiempo, por lo
que el día amaneció caluroso y despejado. Ideal para sumergirse de
nuevo en la noche eterna de las carpas y torturarse con otra ración
de metal extremo durante horas en el que fue, casi con total
seguridad, el mejor día del festival.
La cosa empezó de forma prometedora en el escenario Dungeon con
Vacivus. Los ingleses descargaron un show de death metal
enérgico y solvente. El sonido en este escenario no mejoró respecto
a la jornada anterior, y volvió a suponer un lastre a una actuación
que intentaron suplir a base de derrochar energía su intimidante
cantante y su estupendo batería. Comenzaron la actuación con
retraso, lo que supuso el primer solape entre escenarios principales
que recuerdo en los tres años que llevo acudiendo al festi. Y la
banda con la que se solaparon durante el tramo final eran los
portugueses Namek,que practicaban un grindcore
abrasador. Tampoco tuvieron suerte con el sonido, pero aún así
consiguieron desperezar ligeramente a un público que aún estaba
algo convaleciente del día anterior. De vuelta a Dungeon para ver a
Barshasketh, que descargaron un poco de black metal de la
vieja escuela, directo y sin muchas complicaciones. Me resultaron
algo planos y aburridos, aunque no se puede decir que lo hiciesen
mal.
La cosa se empezó a animar de verdad con Demilich. La
veterana banda de culto, con tendencia a separarse y volverse a
juntar, se materializaba en Barroselas para arrojar su death metal
técnico y enrevesado. Los músicos exudaba profesionalidad y tablas
mientras ejecutaban a la perfección sus temas veloces y complejos
casi sin esfuerzo y, aunque no eran los tipos más carismáticos y
comunicativos del mundo, dieron toda una lección de saber hacer y
saber estar. Como no podía ser de otra forma el setlist se basó en
su clásico de culto y único larga duración editado, Nespithe
(1993), pero también hubo espacio para alguna rareza en forma de
vieja demo. En definitiva un concierto notable, con buen sonido y
ejecución intachable.
Dopelord asaltaron seguidamente el escenario Dungeon con
su doom hipnótico, denso y pesado, de temática ocultista y fumeta.
Gozaron de muy buen sonido, algo novedoso y de agradecer en este
escenario, y triunfaron ante un público totalmente receptivo a su
propuesta. Y es que es difícil no caer rendido ante temas tan bien
planteados como Children of Haze, con las estupendas armonías
vocales que son capaces de crear al contar con dos cantantes en la
banda, algo que les hace destacar entre otras bandas del estilo,o
Preacher Electrick, con el grupo creando una atmósfera
totalmente pantanosa, ideal para cabecear lento. Un buen show que
dejó aturdidos y satisfechos a los presentes.
Y llegaba otro de los platos fuertes del festival de la mano de
Benediction. Los veteranos death metaleros estaban celebrando
sus treinta años de carrera y lo hicieron por todo lo alto, con un
setlist demoledor basado en toda su discografía. El público
abarrotó la carpa y se entregó en cuerpo y alma a la brutalidad
desde el primer tema, mecidos por una banda en plena forma que sonó
como una apisonadora, algo muy destacable al ser el primer concierto
que daban este año. Y es que muy jodido tienes que estar para no
dejarte contagiar de la energía de temas como They Must die
Screaming, The Dreams you Dread o Jumping at Shadows. La
banda sonó poderosa y sólida, con el vocalista Dave Hunt
derrochando energía y carisma y disfrutando totalmente a pesar de
haber anunciado su salida de la banda tras esta gira. Para los
numerosos fans alocados que llenaron el escenario principal fue una
ocasión inmejorable de despedir a Dave y de disfrutar de una banda
clave dentro del death metal.
Y llegó el momento más esperado por el que escribe estas
líneas. Llevo tiempo enamorado de los
neoyorquinos Imperial
Triumphant, una banda terrorífica que firmaron uno de los
mejores discos del año pasado, y tenía muchas ganas de ver cómo se
lo montaban en el que era su primer periplo europeo. Subieron al
escenario en la oscuridad, con sus peculiares atuendos y mientras
sonaba la intro de su disco Vile Luxury, y ya desde ese
momento se apreciaba una atmósfera de angustia y mal rollo en la
carpa, sensaciones que se acrecentaron desde el primer acorde y
durante toda la actuación. Era toda una experiencia mirar alrededor,
a la cara de la gente, y encontrarte con rostros totalmente
desencajados, que no sabían bien cómo tomarse la que sin duda era
la propuesta más extrema de todo el festival, que ya es decir. La
banda, lastrada por el sonido irregular propio del escenario Dungeon,
dio una lección sobre como manejar el caos y la pesadumbre, abriendo
las puertas del infierno y contagiando desesperación a los pobres
asistentes con su mezcla del black más denso y opresivo que se pueda
concebir junto a pinceladas de jazz vanguardista. A ratos aquello,
más que un concierto de música, parecía una terrible alucinación
sacada del libro tibetano de los muertos. Tocaron casi al completo el
disco Vile Luxury y, aunque parezca que su música es
totalmente caótica, clavaron cada nota tan cual está en el disco.
Toda una experiencia ver a esta gente y para mí, sin duda, el mejor
bolo del festival.
Salimos totalmente conmocionados en dirección al escenario
principal para disfrutar de Saint Vitus. Tenía mucha
curiosidad por ver a esta banda veterana y totalmente legendaria
dentro del doom metal. También albergaba mis dudas al respecto de su
posible estado de forma, dudas que se disiparon totalmente en cuanto
sonó el primer riff de Dark World, a la que subieron
ligeramente el tempo. Tras esta llegó la tremenda White
Magic/Black Magic, también acelerada,y para entonces ya
solo quedaba dejarse llevar. ¡Menudo derroche de carisma y oficio el
de los abuelos! A pesar de ser los más veteranos (celebrando 40
putos años de carrera) consiguieron crear una atmósfera bastante
más oscura que otras propuestas a priori mucho más extremas.
Tuvieron un sonido sobresaliente, en el que cada pieza encajaba a la
perfección: los riffs crujientes de Dave Chandler, el excelente
trabajo de Henry Vazquez a la batería y Pat Bruders al bajo, dando
forma a una sección rítmica sólida como un elefante, y la
omnipresente y ondulante voz de Scott Reagers, de nuevo en la banda
tras 24 años. Presentaron temas de su inminente nuevo álbum, como
Remains, que sonó poderoso e hipnótico, junto a grandes
clásicos como Saint Vitus o War is our Destiny, rubricando
un show impecable. Más tarde incluso se pudo ver a algunos
miembros de la banda disfrutando del festival junto al resto del
público. Joder, yo de mayor quiero ser como estos tíos.
Cerraron las actuaciones en el escenario Dungeon los alemanes
Ascension, que trajeron de nuevo la turbación con su black
metal ocultista, de ritmos infernales y turbia puesta en escena. Muy
burros y oscuros, ofrecieron un buen show a pesar del nuevamente
irregular sonido.
Aún quedaban tres actuaciones bastante salvajes para acabar el
día pero, sinceramente, tras una jornada demoledora y con algunos
excesos en el cuerpo, yo ya no sabía muy bien dónde estaba ni lo
que estaba haciendo.
DIA 3
Llegaba bastante machacado al último día de festival, por lo
que demoré un poco mi entrada al recinto, lloriqueando como un
tierno infante. Tras recuperar algo de fuerzas a base de atún
enlatado y un whisky lamentable me planté, con la escasa entereza
que me era posible reunir, ante el escenario principal para ver a
Martelo Negro. Fue una inmejorable forma de irse desperezando.
Con un buen batería, un cantante carismático y una mezcla de
black/thrash contundente y sin demasiadas complicaciones, los Martelo
realizaron un show interesante y dinámico ante un pequeño atajo de
agradecidos valientes.
Seguidamente en Dungeon tocaron Rakta. El trío brasileño
era sin duda una de las propuestas más experimentales del día. Con
una cantante/teclista hipnótica, que parecía hallarse
constantemente en trance, desplegaron su noise ambiental ideado para
flotar junto al aroma a marihuana que envolvía la totalidad de la
carpa. Me resultaron bastante interesantes, pero se vieron muy
lastrados por el deficiente sonido. Y es que, más con una propuesta
de este tipo, plagada de efectos y ecos, el sonido ha de ser
cristalino para que puedas entrar en la burbuja de forma
satisfactoria. Una auténtica lástima ya que, lo que lográbamos
apreciar, tenía muy buena pinta.
Los madrileños Wormed realizaron, sin duda, una de las
actuaciones más enérgicas del día. Comandados por un cantante de
voz bella y melodiosa destrozaron al personal con su death/grindcore
espacial, técnico y bizarro, oscuro y caótico como el interior de
un agujero negro. Un bolazo dirigido a los más desquiciados del
recinto, a los que consiguieron abducir sin problemas. Una lástima
que el sonido de la guitarra quedara eclipsado por la aplastante y
sobresaliente base rítmica. A pesar de ese detalle la banda demostró
que pueden ser igual de locos y extremos, si no más, que cualquier
formación internacional.
Wormed dejaron el escenario calentito para recibir a otra
de las bandas más esperadas por el público de Barroselas, los
legendarios Vomitory. Tras haberse separado en 2013, la banda
regresaba reformada para celebrar su treinta aniversario dando un
recital demoledor, destinado a reivindicar su estatus dentro de los
mejores del género. Con una carpa a reventar y un sonido, esta vez
sí, intachable, dieron una muestra de técnica y tablas. Comenzaron
por todo lo alto con The Voyage y no bajaron de intensidad ni
un segundo en toda la hora que tuvieron disponible y que utilizaron
sabiamente para dar un buen repaso a su discografía al completo.
Posteriormente, en el escenario Dungeon, nos encontramos con
otra propuesta extraña, la de los brasileños Deafkids. Con
muchos problemas de sonido, sobre todo al comienzo de la actuación,
salvaron los muebles lanzando un extraño punk noise experimental con
grandes ritmos de batería. Al igual que había pasado anteriormente
con sus compatriotas Rakta, el mal sonido fue el mayor lastre
para disfrutar de una actuación por lo demás interesante, enérgica
y solvente.
Uno de los platos fuertes llegaba con los suecos Craft en
el escenario principal. Había ganas de disfrutar con su black metal
tradicional y misántropo. El sonido, aunque algo bajo, estaba bien
ecualizado, permitiendo disfrutar de sus riffs crujientes y
satánicos. El problema fue la actitud de la banda, especialmente de
su cantante Nox, al que se veía aburrido y distante, como si
sufriese una brutal resaca y quisiera largarse cuanto antes del
escenario. Esta actitud se contagió entre la banda y el público y
el concierto, aunque correcto, no terminó de despegar y acabó
haciéndose cansino. Una pequeña decepción y un concierto bastante
flojo viniendo de una banda que firmó uno de los grandes discos del
género el año pasado.
Este sabor agridulce nos lo quitó de golpe el concierto de
Nervosa. Solo les hicieron falta dos temas para que la
totalidad del público se percatase de que estaba asistiendo a la
mejor descarga de la jornada, y es que la energía desplegada desde
el comienzo por estas tres chicas, y en especial por su bajista y
cantante Fernanda Lira, estaba a otro nivel. Toda la actitud que le
faltó a Craft la entregaron con creces Nervosa,
saliendo decididas a comerse el escenario. Lo consiguieron de forma
inmediata y arrasaron al público a base de brutalidad, técnica,
carisma y temazos como Intolerance Means War, Raise your Fist o
Into Moshpit. Me esperaba un buen show, y aún con esa
mentalidad me sorprendieron gratamente, en especial la tremenda
pegada a la batería de Luana Dametto y el carisma a raudales de
Fernanda, que no paro de moverse, gesticular y animar a un público
enloquecido y totalmente a sus pies.
Llegábamos ya al triste final, y para cerrar el escenario
grande de una forma para nada solemne nos esperaba la peculiar fiesta
de Serrabulho, en la que el espectáculo estaba tanto en el
escenario como entre el público. Grindcore, disfraces, congas
gigantes, bakalao, batukadas, música tradicional, confeti, espuma...
Toda una fiesta de dementes para olvidar el cansancio con la mejor de
las sonrisas. Locura y diversión a raudales que, a fin de cuentas,
era para lo que habíamos ido hasta allí.
Todavía quedaba la traca final, con la descarga en el escenario
gratuito de las bandas Pulmonary Fibrosis y Purulent
Spermcanal que, como imaginaréis por sus nombres, practicaban
una música tranquila y melodiosa plagada de baladas. Por mi parte me
retiré hacia el bosque, totalmente derrotado, buscando refugio en la
zona de acampada, donde mantuve profundos debates filosóficos sobre
la vida y el amor junto a tipejos en evidente estado de ebriedad
hasta el amanecer.
Y así concluía otro estupendo fin de semana en el averno de
Barroselas. Tres días plagados de buenos momentos, con actuaciones
para recordar y el único punto negro del irregular sonido en el
escenario Dungeon. Un festival, como dijimos al principio, especial,
cómodo y entrañable. Sin duda el año que viene volveremos, y os
aconsejamos apuntaros.
Bonus Track:
Un año más el festival se retransmitió vía streaming para
disfrute de quienes no pudieron acudir a la cita. A continuación os
dejamos un vídeo con algunas de las actuaciones. Podéis encontrar
el resto de conciertos principales en el canal de youtube de SWR inc
– sonic events.
Dopelord + Benediction (con problemas de emisión) +
Imperial Triumphant + Saint Vitus + Ascension + Purulent Spermcanal.
Finalizada ya la semana santa, con sus tradiciones, pasos y
exaltación del fervor religioso en general, ha llegado el momento de
equilibrar la balanza y rendir culto al Diablo, a la maldad y a todos
los poderes oscuros. Para ello este fin de semana volverán a abrirse
de par en par las puertas del infierno en el festival de música
extrema de Barroselas.
El veterano festival, que encara este año su vigésimo segunda
edición, es ya toda una referencia indiscutible en el panorama
underground, y se alza como lugar de peregrinación obligada para los
amantes de los géneros más extremos del metal, y como la mejor
propuesta del estilo dentro de la península.
Situado en el pequeño y acogedor pueblo de Barroselas, en el
extremo norte de Portugal, se trata de un festival modesto y
exclusivo, alejado totalmente de otras propuestas más comerciales y
masificadas. La tranquilidad y comodidad que desprende tanto el
entorno como la organización del festival contrastan con un menú de
actuaciones totalmente brutales, con un cartel repleto de golosinas,
bandas de culto y otras a descubrir, dentro del death, black, thrash,
grindcore y demás pestilencias.
Al neófito le interesará saber que se va a encontrar muy a
gusto, sin agobios en los accesos y actuaciones, con zonas de
descanso y acampada, centro comercial y restaurantes, y todo lo que
necesite al alcance de la mano, siendo las distancias totalmente
insignificantes entre los distintos puntos de interés. Los precios,
tanto en el recinto como en los alrededores, son totalmente
populares, así que tanto si vas holgado de recursos como si vas en
plan supervivencia cutre no te será difícil proveerte de lo
necesario para pasar unas jornadas satisfactorias. El clima es
variable, y en estas fechas no es de extrañar que el frío o la
lluvia puedan estar presentes, así que lleva abrigo por lo que pueda
pasar. No te preocupes si la climatología es adversa ya que no
restará disfrute a las actuaciones. Al celebrarse en un
polideportivo, con unas carpas totalmente cerradas y cubiertas, solo
te mojarás si decides adentrarte en el pueblo o en los cinco minutos
que se tarda del recinto a la acampada. También cabe la posibilidad
de que haga un clima cojonudo claro, ya veremos... El ambiente entre
el público asistente es familiar y cercano, y habrá actividades
varias como meet and greet con las bandas, charlas etc...
Puedes resolver tus dudas acudiendo a la página oficial del
festival o revisando nuestras crónicas de los anteriores eventos.
Y ahora pasemos al turrón: La cabecera la ocupan Saint Vitus,
una de las más veteranas y míticas bandas del doom. Toda una
leyenda que sigue publicando y actuando a excelente nivel, con nuevo
y homónimo disco a punto de salir y de la que esperamos una
actuación memorable.
Otra leyenda, esta vez del death. Los ingleses Benediction
acudirán al festival a celebrar su treinta aniversario como banda,
para lo que desplegarán un set brutal plagado de clásicos rompe
vértebras que tampoco conviene perderse.
En Godflesh encontramos a toda una banda de culto. El dúo de
Birmingham vuelve a los escenarios con su sonido único, que ha sido
una clara influencia en la gestación y evolución de géneros como
el metal industrial y el post metal. Toda una delicia poder disfrutar
de una de esas bandas que han abierto nuevas vías en la música.
Los suecos Craft también
descargarán en Barroselas, presentando su disco White Noise and
Black Metal, que les ha costado siete años concebir. Ya andamos
acojonados por tener que enfrentarnos a su black metal brutal, denso
y opresivo, en una actuación que llega con muy buenas referencias.
El resto del cartel está plagado
asimismo de joyas. Una a la que tenemos unas ganas especiales desde
aquí es a Imperial Triumphant. Habiendo
publicado uno de los mejores discos del año pasado, y con una
propuesta brutal, muy inquietante y original, que aúna el black más
denso con pinceladas de jazz apocalíptico, no tenemos dudas de que
va a ser uno de los momentazos más perturbadores del fin de semana.
Muy esperados son también los estadounidenses The Black Dalia
Murder, una banda en la que siempre se puede confiar y que sin duda
nos abofetearan con su death metal melódico de forma enérgica y
profesional. Hay mucho y muy buen death metal este año en
Barroselas, y otra muestra de altura la darán los míticos Vomitory,
de nuevo en activo y sin duda con ganas de liarla parda y demostrar
su merecido estatus.
Demilich es otra banda de death que no pensamos perdernos, pues
sus directos gozan de bastante prestigio dentro del mundillo. También
tiene muy buena pinta el black/death de Arkhon Infaustus, una de las
bandas más representativas y caóticas de la escena francesa, cuyo
último disco se remonta a 2007, aunque tienen un EP delicioso de
hace un par de años. Los seguidores del thrash seguro no querrán
perderse a las brasileñas Nervosa, que pondrán sus ovarios sobre la
mesa para dejar en ridículo una vez más a los que puedan albergar
alguna duda al respecto de su potencial.
Los fanáticos del grind más apestoso se lo pasarán como
cerdos retozando en el lodazal al ritmo de bandas como Sublime
Cadaveric Decomposition o los alocados Birdflesh. También veremos al
dúo portugués Morte Incandescente descargando su black metal
podrido y suicida, ideal para levantar los ánimos. En otro extremo
tenemos a los recomendables Skull Fist, con una propuesta más
ortodoxa, basada en un heavy clásico, de corte NWOBHM, que vendrá
de perlas para cambiar un poco el chip. El metal nacional estará
también muy bien representado por los madrileños Wormed, que con su
death enrevesado y ultra técnico y su temática de ciencia ficción
serán los encargados de abducir al personal presente.
¿Quieres
más? Barshasketh: black/death desde Nueva Zelanda, presentando
disco. Ascension: black alemán con toques progresivos. Martelo
Negro: toda una leyenda en Portugal. Thrash/black/death
deliciosamente sucio, guerrero y satánico. Venenum: otros que
prometen ser una sensación. Old school death surgido del más
apestoso underground alemán, avalados por un discazo como Trance
of Death. Rakta:
trío de chicas brasileñas practicando un punk ruidoso e hipnótico.
O los también brasileños Deafkids, cuya propuesta experimental
llamará la atención para quienes apetezcan de algo distinto e
inclasificable.
Si estás rallado porque tienes la cartera repleta de telarañas
no te preocupes, te puedes acercar igualmente a disfrutar del
ambiente del festival y de las actuaciones gratuitas que se
celebrarán en la carpa exterior del recinto. Un buen puñado de
bandas pasarán por este escenario de libre acceso para contagiar su
violencia de forma indiscriminada. Entre ellas Nakkiga, una de las
mejores bandas de black pagano de España. Summon, black/death
portugués oscurantista, bestial y deprimente. Los grindcore
Pulmonary Fibrosis. El punk experimental de Scuru Fitchadu. O el
extreme noise de Crowhurst, banda que tenemos mucha curiosidad por
ver la manera en que enfocan su directo, ya que su música es,
literalmente, puro ruido.
Esto y mucho más aguardará a los incautos que decidan
acercarse este fin de semana al pequeño pueblo portugués de
Barroselas. Ni que decir tiene que la pérdida neuronal puede ser
irreparable. Desde esta web no nos hacemos responsables en modo
alguno de ello.
El
pasado 4 de Marzo el mundo de la música se despertaba de luto al
conocer la noticia del fallecimiento de Keith Flint, vocalista del
grupo The Prodigy. Al principio no se desvelaron muchos datos al
respecto, pero la relativa juventud del artista (49 años) nos hacía
temernos lo peor. Y así fue cuando, unos días después, se desveló
la causa de su fallecimiento: suicidio por ahorcamiento.
Ante noticias
de este tipo uno no puede más que sentir una profunda tristeza,
sensación que también se mezcla con la rabia, la impotencia y la
incredulidad. ¿Qué puede llevar a un artista joven, exitoso y
relevante, a tomar una decisión tan drástica?
A medida que
nuevos datos han ido saliendo a la luz nos hemos enterado que Keith
Flint sufría una profunda depresión, motivada por una reciente
ruptura sentimental y agravada por una recaída en el mundo de las
drogas, con las que Keith siempre tuvo bastantes problemas. Ya nada
se puede hacer al respecto y solo nos queda llorarle, como a tantos
otros artistas en situaciones parecidas que se han ido demasiado
pronto (Chris Cornell, Chester Bennington...). Pero una vez más
tenemos que abrir los ojos y darnos cuenta de la importancia y
gravedad de trastornos mentales como la depresión. Una enfermedad
sin piedad, que agarra y aprieta, ahogando profundamente y anulando
la perspectiva de sus víctimas. Da igual que seas un currito, que
estés en el paro o que vendas millones de discos, nadie está a
salvo de este mal que puede desembocar, como en el caso que nos
ocupa, en el peor de los desenlaces.
Una ruptura
sentimental es uno de los mayores baches a los que una persona tiene
que hacer frente, tarde o temprano, a lo largo de su vida. Vienen
entonces periodos de profunda agonía, de tristeza, de baja
autoestima y gran inseguridad, sentimientos todos ellos que llevan
directamente a las depresiones y, como hemos dicho, cuando la
depresión agarra con fuerza no deja escapar fácilmente, nublando
por entero el juicio y la perspectiva, y llevando a la víctima a
pozos oscuros de los que es muy difícil salir airoso. Pudiendo
incluso, en los casos más graves, llevar a la víctima hasta el
suicidio o el crimen pasional. Pueden parecer sentimientos exagerados
desde el punto de vista de una persona sana, anda que no tendría
posibilidades Keith Flint, ni más ni menos que el puto cantante de
The Prodigy, de conocer a una nueva chica relativamente pronto,
alguien que le devolviese la alegría y las ganas de vivir. Solo se
trataba de tener entereza y dejar pasar un poco el tiempo. Pero Keith
estaba enfermo, y su mente no trabajaba como las demás.
Es el deber
de amigos y familiares estar atentos a los síntomas y reaccionar. No
vale con un «anímate» o un «sal más de casa», hablamos de
enfermedades graves, que requieren seguimiento y tratamiento. Una
persona metida en el fango de la depresión muchas veces no va a
pedir ayuda, incluso puede que disimule su estado fingiendo
normalidad, por todo ello es importante tener los ojos abiertos y
reaccionar, porque lo bueno es que son enfermedades que se pueden
curar con tratamiento.
Un destrozado
Johnny Rotten, amigo de Keith, reflexionaba sobre esto, diciendo que
nadie tiene por qué quedarse solo y morir. En este mundo cada vez
más frío y despiadado, de apariencias y amistades virtuales, de
hastags y emoticonos, un sencillo y sincero «estoy aquí», dicho
mirando directamente a los ojos, junto con un abrazo real, de cuerpo
presente, pueden hacer mucho. Pueden incluso suponer la diferencia
entre la vida y la muerte. No lo olvidéis.
Y tras esta
reflexión, que consideraba importante hacer, quitémonos toda esta
pesada melancolía y pasemos a celebrar el legado de Keith Flint, a
todo volumen y con alegría, bailando alocados como en los mejores
momentos.
BREATHE
(Howlett, Flint, Reality)
The Fat of the Land. 1997.
La juventud
de Keith no fue fácil. Diagnosticado como disléxico su paso por la
escuela fue un fracaso total, abandonando los estudios a los 15 años.
También tuvo que huir de casa a edad temprana debido a las enormes
tensiones familiares. Continuó entonces su vagabundeo por la vida
metiéndose de lleno en la cultura rave de finales de los 80. Y ahí,
en medio de la locura, encontró por fin su faro en la figura del
músico Liam Howlett.
Keith se
mostró entusiasmado con la maqueta que le pasó su nuevo amigo, y le
aconsejó que tirara para adelante con su música, ofreciéndose él
mismo para acompañarle como bailarín. De esta forma nació The
Prodigy, banda que ya desde su primer trabajo, titulado Experience
(1992), consiguió bastante
éxito. Pero fue con su fabuloso tercer álbum, The Fat of
the Land (1997), cuando de
verdad asaltaron por completo el mainstream, situándose a la cabeza
de las listas de éxitos en todo el mundo y vendiendo millones de
copias.
Es bien sabido que Howlett es el cerebro detrás de la música
de The Prodigy, pero no puede pasarse por alto que el verdadero salto
a la fama se realizó cuando Keith tuvo más protagonismo, pasando de
bailarín a cantante y frontman de la formación, dotando a la banda
de la imagen y actitud que necesitaban para complementar la música.
Su alocado aspecto, de influencias punk y electrónicas, y su
desbordante e hipnótica energía (junto a la de su compañero Maxim)
se clavaron a fuego en las retinas de millones de adolescentes,
llevando a la banda a la estratosfera en un momento totalmente
propicio para su propuesta musical, asentada en la electrónica pero
que también incluía enormes dosis de punk y metal, consiguiendo
abrir una brecha por la que también se colarían formaciones como,
por ejemplo, Chemical Brothers o Massive Attack.
BABY'S
GOT A TEMPER
(Howlett,
Flint, Pepper)
Baby's Got
a Temper EP. 2002.
El
éxito sin precedentes de The Fat of the Land los
tuvo recorriendo el mundo durante años. Ahora estaban en las grandes
ligas, encabezando festivales y actuando para miles de personas cada
noche. Como era de esperar el éxito y los excesos quemó a la banda,
cuyo tren de vida se había salido tanto de control que tuvieron que
anunciar una pausa indefinida en 1999, prometiendo que volverían.
El
regreso se produjo en 2002, con el single Baby's Got a
Temper. El tema había sido
escrito originalmente por Keith para su proyecto en solitario Flint,
pero finalmente decidió adaptarlo para The Prodigy, siendo
presentado como regreso de la banda y adelanto del nuevo disco. La
expectativa era enorme, y cuando finalmente se lanzó el single la
crítica lo vapuleó, considerándolo poco inspirado y de mal gusto.
Causó mucho revuelo su letra, siendo acusados de hacer apología de
ciertas drogas, en este caso el Rohypnol, conocida sustancia en los
bajos fondos relacionada con violaciones. La banda no era ajena a las
controversias (ya la habían liado bien con Smack My Bitch
Up), y Keith Flint salió al
paso diciendo que solo relataba experiencias personales y no hacía
apología de nada.
No sabemos si por esta controversia o por otro tipo de
replanteamientos la canción no fue finalmente incluida en el álbum,
más adelante Howlett incluso repudió el tema. Lo que está claro es
que estamos ante uno de los temas y vídeos más gamberros en toda la
historia de la formación.
JU LU
(Flint)
Device #1. (2003)
La
esperada continuación a The Fat of the Land apareció
finalmente en el año 2004. Tras una larguísima espera de nada menos
que siete años los fans, como era lógico, se abalanzaron sobre el
disco con avidez. Pero Always Outnumbered, Never Outgunned
no resultó ser lo esperado.
Howlett decidió volver a las raíces y prescindir casi por completo
de las aportaciones de Flint y Maxim (el bailarín y músico
Thgornhill se había largado ya en 1999), por todo ello el álbum no
fue bien recibido, resultando irregular y quedando como uno de los
trabajos más flojos de The Prodigy. Por suerte en directo
continuaban a buen nivel y con clásicos de sobra para mover al
personal, y aquí es inevitable mencionar una de las actuaciones más
memorables de la banda en España, en el marco del festival Festimad
2005, conocido como el festival del apocalipsis. Para quienes
estuvimos allí ver a unos desbocados The Prodigy actuando al
amanecer, rodeados de policía y coches ardiendo, en un escenario que
parecía más bien el de una guerra, fue sin duda una experiencia de
las que no se olvidan jamás.
Durante
el parón que sufrió The Prodigy a finales de los 90 Keith no se
quedó quieto, y visto el ninguneo sufrido en el nuevo disco decidió
intentar sacar adelante su proyecto de punk Flint. No son muy
conocidas estas grabaciones, ya que el álbum no pasó el corte de su
discográfica y su lanzamiento fue cancelado. Por suerte es fácil
encontrar el disco, titulado Device #1, buscando
por la red. Nos encontramos aquí con un trabajo de punk rock sin
pretensiones, que sin ser memorable resulta marchoso y disfrutable en
su sencillez, y cuyas letras son más personales y están más
trabajadas que en The Prodigy, resultando algunas de ellas bastante
oscuras, y mostrándonos la turbulenta cabeza con la que Keith tenía
que convivir a diario.
OMEN
(Howlett,
Hutton, Maxim)
Invaders
Must Die. 2009.
Tras
el tropiezo anterior Howlett enfocó el siguiente disco de una forma
diferente, como amalgama de todos sus trabajos anteriores, y abriendo
nuevamente la puerta a las ideas de Flint y Maxim. Invaders
Must Die fue mucho mejor
recibido en líneas generales y resultaba un trabajo dinámico que
daba lo que se espera de un disco de The Prodigy.
Asimismo
la banda en directo seguía resultando demoledora, y así quedó
plasmado en el disco en vivo World's on Fire (2011)
que ofrecía una actuación de 2010 en Milton Keynes.
Su
siguiente trabajo, The Day is my Enemy (2015),
seguía las pautas marcadas por Invaders, ofreciendo
temas cañeros, no demasiado revolucionarios y enfocados al directo.
La banda ya no resultaba tan fresca y sorprendente como años atrás,
pero se habían asentado cómodamente en su parcela, donde eran
imbatibles, siendo un referente con sonido propio y actuando sin
parar por todo el mundo, en la mayoría de los casos a un buen nivel.
Con
su más reciente trabajo, No Tourist (2018),
empezamos a notar ya un preocupante agotamiento, falta de frescura y
repetición de patrones e ideas. El disco no es malo, pero tampoco
ofrece nada que no se haya visto ya anteriormente de forma más
inspirada, y resulta plano, con una molesta y evidente sensación de
estar realizado con piloto automático. Howlett está ya asentado y
parece no querer esforzarse mucho en lo musical, solo lo justo para
seguir exprimiendo la marca. No obstante en directo seguían con buen
nivel, así como con un amplio repertorio de clásicos con el que
montar una buena actuación sin problemas, por ello cualquier visita
o inclusión de la banda en carteles de festivales era mayormente
bien recibida.
Por desgracia, y de forma inesperada, nos hayamos de repente
ante el momento más oscuro y de mayor incertidumbre en la historia
de la banda.
El
suicidio de Keith Flint ha supuesto todo un mazazo para la banda, y
para el mundo de la música en general. Nos hemos quedado sin un
artista icónico, entrañable, chalado e hiperactivo, que tuvo que
luchar toda la vida contra los demonios en su cabeza, para finalmente
sucumbir ante ellos de una forma bastante triste.
En estos
momentos ignoramos si este suceso marcará el fin de The Prodigy.
Está claro que Howlett puede seguir sin él si lo desea, aunque es
inevitable que su ausencia se note, especialmente en los directos y
en la imagen de la banda, donde su presencia y energía resultaba
contagiosa e inspiradora. Por otra parte, debido al evidente
agotamiento que arrastra el último disco de The Prodigy nos gustaría
que, de seguir adelante, la rabia y el dolor de esta muerte pudiera
revertir en un brote de inspiración que diese lugar a un gran
homenaje discográfico al compañero caído, algo que sin duda
merece. En cualquier caso el tiempo dirá... Desde aquí solo
queremos recordar al artista y su música, deseando que encuentre,
por fin, la paz que andaba buscado.
Buen viaje
compañero.
Este texto se escribió originalmente para la web Diablorock:
Dream
Theater son, por trayectoria y méritos, una de las bandas más
importantes en la historia del metal progresivo. Creo que eso es algo
totalmente indiscutible a estas alturas. Pero antes de encarar la
reseña de su nuevo disco, el número 14 en su ya abultada
trayectoria, considero muy importante y revelador hablar un poco del
contexto en el que han creado esta nueva obra.
Su
anterior disco, The
Atonishing, fue
publicado hace ya tres años. No dudamos que en aquella obra la banda
puso mucha ilusión y medios pero, desgraciadamente, para muchos
supuso un gran fiasco. Intentaron hacer una obra demasiado ambiciosa
y pecaron precisamente de exceso de ambición, dando como resultado
un trabajo aburrido, demasiado recargado y que destilaba una
grandilocuencia y pomposidad que llegaba incluso a resultar
sonrojante en muchos momentos.
El disco, como era de esperar, fue machacado en líneas
generales tanto por la crítica como por el público. Sin duda esto
debió ser un duro golpe en el orgullo de la banda que, tras la
decepción inicial, seguramente hizo examen de conciencia y llegó a
la conclusión de que su propia leyenda quizás se les había subido
demasiado a la cabeza. De esta forma encararon la creación de su
siguiente disco de una forma totalmente distinta y mucho más
inocente. Huyendo de enrevesadas tramas y planes preconcebidos
tomaron la decisión, de forma acertada, de encerrarse en el estudio
para pasarlo bien haciendo lo que mejor saben, enfocándose
simplemente en sacar un puñado de temas de alta calidad sin más
pretensiones.
Y
les ha salido bien. El disco rebosa frescura y sencillez, teniendo en
cuenta lo que la palabra sencillez significa para una banda como
Dream Theater, claro. Se aprecia perfectamente que los diez cortes
que conforman Distance
Over Time han
surgido de distendidas jam session de la banda en el estudio, y que
no se han comido mucho la cabeza para unir temas y conceptos dentro
de alguna extraña maraña teoricofilosoficomusical. Esa actitud
desenfadada se aprecia y degusta a las mil maravillas por el oyente
que solo busca disfrutar de un buen puñado de temas de una
grandísima banda de metal progresivo.
También,
por todo lo expuesto, estamos ante un disco que no va a ser, ni de
lejos, considerado entre las obras maestras de la banda. Pero,
sinceramente, tras el tostón de The
Atonishing, muchos
nos damos por bastante satisfechos con esto, y volvemos a tener fe en
una banda que nos ha dado, y puede seguir dando, muy buenos momentos.
Centrándonos en el contenido poco que añadir. Diez temas muy
directos y disfrutables, con su buena ración de solos, cambios de
ritmo y florituras de elevado nivel técnico como cabría esperar.
Diez temas variados y dinámicos, que por su carencia de pretensiones
quizás no te vuelen la cabeza, pero que tampoco resultan cansinos ni
extenuantes.
Como suele ser habitual el que parece dirigir el cotarro aquí
es Petrucci, que no en vano ejerce también de productor. Todos los
temas se asientan firmemente en los riffs del barbudo, riffs que
sorprenden por su tremenda pegada y groove, y que dejan fácilmente
en pañales a muchas ideas de otras bandas de géneros a priori más
agresivos. Mike Mangini también está impecable a la batería y
goza, por fin, de un sonido en la producción que le hace justicia,
por lo que se puede considerar fácilmente como su mejor trabajo
desde que entró en la banda. Como ya he comentado los temas siguen
estructuras sencillas (para los estándares de Dream Theater),
despegando con riffs iniciales de Petrucci, la consabida estrofa y
estribillo, y una parte central muy trabajada, que es donde se
encuentran los pasajes más virtuosos. Los duelos Petrucci/Ruddess
como era de esperar resultan estratosféricos, y el pegamento de
Myung no flojea ni un segundo. La banda suena compacta y profesional,
gustándose y disfrutando de lo que hace mientras dejan correr la
inspiración, tirando de todos sus recursos, experiencia e
influencias.
Hay
temas más redondos que otros, claro, pero todos están en un muy
buen nivel. Personalmente los que más me han llamado la atención
han sido Paralyzed,
directo
y muy cañero. Barstool
Warrior, con
unas dinámicas que son puro Theater. Room
137, en
el que despliegan un groove tremendo y que cuenta con unos deliciosos
escarceos por el blues rock de alto octanaje. También At
Wit's End, en
donde Petrucci brilla especialmente, demostrado (por si quedaba
alguna duda), por qué es uno de los mejores guitarristas de su
generación. Destaco también Pale
Blue Dot, quizás
el tema más enrevesado y ambicioso del disco, todo un viajecito de 8
minutos de duración. Estas son mis elecciones, que bien podrían
haber sido otras, ya que como digo todos los temas están a un nivel
parecido, sin destacar especialmente ninguno para bien ni para mal
dentro del conjunto.
En
definitiva este Distance
Over Time es
un muy buen disco: enérgico, desenfadado, directo, dinámico y
disfrutable. No será un disco mítico, pero sí es un trabajo
bastante digno dentro del catálogo de Dream Theater, que cuenta con
todas sus señas de identidad y que puede servir perfectamente como
puerta de entrada para aquellos que estén descubriendo ahora a la
banda. Reconciliará totalmente a los fans desencantados tras su
anterior tropiezo, y seguramente les suponga nuevos adeptos a la
causa. Es por tanto una escucha totalmente recomendable.
Se podría decir que la veterana y
legendaria banda Megadeth se encuentra en un momento bastante dulce.
Tras una larguísima trayectoria de 35 años, no exenta de varios
altibajos, la visión de Dave Mustaine cuenta con una de sus
encarnaciones más sólidas hasta la fecha: el guitarrista Kiko
Loureiro, poseedor de un estilo pulcro y virtuoso a la par que
exótico. El batería Dirk Verbeuren, metrónomo andante y experto en
blast beats. Y Dave Ellefson al bajo, el fiel escudero, el tipo que
más tiempo ha acompañado al siempre complicado Mustaine, y que
parece ya inamovible en su puesto tras pasar también por una época
oscura, de enemistad y pleitos, que lo tuvieron alejado de la banda
durante ocho años.
Se espera que esta formación
publique en 2019 un nuevo disco, continuación del aclamado Dystopia
de 2016. Será el dieciseisavo
trabajo de la banda, y Dave Mustaine ya ha dejado caer un par de
veces que tiene posibilidades de ser el disco con el que ponga fin a
la exitosa carrera de Megadeth. El tiempo dirá si es así o no, por
lo pronto se prevé un grandes éxitos con material remasterizado
escogido por el propio Mustaine, que llevará por título Warheads
on Foreheads y que aterrizará
en las tiendas en marzo.
Más allá de
las opiniones encontradas que siempre ha generado la banda, y en
especial su líder, es innegable que Megadeth es una de las
formaciones más importantes e influyentes en la historia del metal.
Y aunque no es la primera vez que parecemos estar ante el fin de la
misma (lo comentamos más adelante), está claro que el temido día
en que cuelguen los instrumentos definitivamente se acerca de forma
irremediable (sin ir más lejos sus compañeros del Big 4, Slayer, se
encuentran en estos momentos realizando una exitosa gira de
despedida). Por ello, y para celebrar el legado de la banda, hemos
realizado este especial, en el que enumeraremos las etapas y
anécdotas más importantes en la historia de la formación tomando
como base un puñado de temas inusuales, de esos que no suelen
aparecer en las listas ni suelen tocar en directo y que, a buen
seguro, tampoco entrarán en el próximo recopilatorio de grandes
éxitos.
1. ASHES IN
YOUR MOUTH
(Ellefson,
Friedman, Menza, Mustaine)
Countdown
to Extinction. 1992.
A comienzos de la década de los
90 Megadeth se encontraban en la cima de su popularidad. Con una de
las formaciones más alabadas en la historia de la banda, y habiendo
entregado uno de los discos claves en la historia del thrash metal
como fue Rust in Peace (1990).
El propio
género que habían ayudado a crear y encumbrar, el thrash metal, se
encontraba también en un momento clave, tratando de reinventarse,
añadiendo elementos más melódicos y progresivos a la mezcla para
intentar huir del estancamiento de la formula. Los reyes del género,
Metallica, habían entregado un año antes un trabajo que
premeditadamente bajaba la velocidad y complejidad de la mezcla, el
aclamado disco negro, con temas más pesados y de estructuras más
sencillas, donde primaba el groove sobre la velocidad alocada
asociada al thrash.
Countdown to Extinction era
la apuesta de Megadeth ante este panorama de cambios en la escena.
Tras el trallazo sin descanso que supuso Rust in Peace
observamos una tendencia a
esquemas más sencillos, riffs más pesados y contundentes y
estructuras más accesibles en temas como Sweating Bullets
o Symphony of
Destruction (tema que quedaría
para la posteridad como himno de la banda). Daban paso a su vez a
ideas más melódicas y comerciales, reflejadas en Foreclosure
of a Dream o el tema que da
título al álbum. Y también quedaban algunos restos del viejo y
agresivo thrash en temas como High Speed Dirt,
pero como decimos ya solo de forma residual. Esto se aprecia
perfectamente en el tema que nos ocupa, con intrincados riffs de
thrash marca Mustaine, pero adornados esta vez con toques más
progresivos, que dan como resultado un tema sobresaliente, lleno de
fantásticas dinámicas y con toda la banda en un auténtico estado
de gracia. De esta forma cerraban un disco aclamado por público y
crítica, que cosechó también enormes ventas.
Por desgracia,
una vez alcanzada la cima, ya solo quedaba el duro camino cuesta
abajo. En los años venideros el thrash metal sufriría un tremendo
varapalo en popularidad y credibilidad, siendo eclipsado por nuevos
sonidos, como el grunge y el nu metal, comenzando así un largo
periodo en el que los grandes nombres del género se las tendrían
que apañar como pudiesen para mantenerse a un cierto nivel de
relevancia. Había comenzado la época oscura del thrash.
2.
USE THE MAN
(Mustaine,
Friedman)
Cryptic
Writings. 1997.
Principios y
mediados de los 90 fue sin duda la época del grunge. Grupos como
Nirvana, Soundgarden o Pearl Jam habían supuesto todo un terremoto
en la escena musical, y habían dado el golpe de gracia al metal en
general y al thrash en particular. ¿Qué podían hacer los grandes
del género para seguir siendo relevantes? Sin duda renunciar a su
marca e intentar reinventarse.
Como ya hemos
comentado Megadeth optaron, como muchos otros, por bajar las
revoluciones y añadir elementos nuevos en Countdown to Extinction
y, sobre todo, en su siguiente
trabajo, Youthanasia (1994).
Pero esto era insuficiente de cara al nuevo panorama reinante en la
industria, y por ello llevaron su cambio un poco más allá con su
disco Cryptic Writings (1997).
Aquí apreciamos también un intento de adaptarse a los nuevos
sonidos imperantes, con estribillos y arreglos mucho más ligeros y
comerciales, y una clara influencia de bandas como los mencionados
Soundgarden o Alice in Chains.
El
disco cosechó buenas críticas y unas ventas todavía envidiables.
Sin duda se trataba de un trabajo meditado y muy bien realizado, con
bastante coherencia interna. Y aunque conservaba cierta furia
metálica en temas como She-Wolf, FFF o
The Disintegrators, también
añadía sonidos, arreglos y estructuras nunca vistos en Megadeth,
como apreciamos en las descaradamente comerciales I'll get
Even, Almost Honest o Have
cool, Will travel (¿armónicas
en Megadeth?). Temas como estos sin duda harían torcer el gesto a
los viejos fanáticos del thrash, pero no importaba porque, en
realidad, tampoco parecía que quedasen muchos por ahí.
A
pesar de las claras concesiones a la comercialidad en los temas
mencionados, destinados sin reparo a reclutar nuevos oyentes dentro
de las huestes del grunge, en el disco encontramos también un buen
puñado de temazos muy bien compuestos, en los que la identidad de
Megadeth se mantenía y a la vez se expandía hacia nuevos terrenos
musicales, así ocurría en Trust, A Secret Place o
la emotiva Use the Man, que
cuenta con uno de los mejores textos de Mustaine, que ahonda en las
adicciones y las oportunidades perdidas.
Con
este trabajo Megadeth se apuntaron un tanto en un momento complejo,
consiguiendo reinventarse de forma satisfactoria, dando lugar a un
estupendo disco, variado y disfrutable, que aún hoy es señalado
dentro de las grandes obras de Megadeth y que no parecía presagiar
los descalabros que vendrían poco después.
3.
I'LL BE THERE
(Mustaine,
Friedman, Prager)
Risk.
1999.
Como
la jugada les había salido bien en Cryptic Writings,
Mustaine y sus chicos (entre los
que ya no se encontraba Nick Menza, primera baja de la legendaria
formación de los 90), decidieron forzar la máquina, reinventándose
otra vez y apostando muy fuerte por la comercialidad y los nuevos
sonidos imperantes.Por
desgracia esta vez la jugada no les salió tan bien. El grunge y el
nu metal habían revolucionado tanto el panorama metálico que cosas
como los complejos y veloces solos de guitarra o los dobles bombos
atronadores se veían como algo caduco, o directamente como motivo de
mofa entre los aficionados. Por tanto no encontramos ninguno de esos
viejos elementos aquí. En cambio sí encontramos temas mucho más
ligeros y comerciales. Para dar forma al nuevo disco Mustaine se
apoyó totalmente en su compañero Marty Friedman, que le aconsejó
huir lo máximo posible del thash metal y añadir elementos más
poperos e incluso ligeros toques electrónicos a su sonido.
Mustaine corrió un gran riesgo con este trabajo, y era lo que
pretendía, cabreado con unas declaraciones de su antiguo compañero
Lars Ulrich que dejaba caer que grupos como Megadeth no corrían
suficientes riesgos con su música. Por desgracia arriesgarse no
siempre significa ganar y el resultado, aunque tiene algunos momentos
destacables, fue un gran fiasco tanto de crítica como de público.
Comenzando por una portada horrorosa (que fue sustituida años más
tarde por otra algo más elaborada) y un Dave Mustaine totalmente
perdido en sonoridades muy ajenas al espíritu de la banda, solo
podemos calificar Risk como un disco totalmente fallido, con
una incómoda sensación de quiero y no puedo presente durante la
totalidad de un álbum irregular y errático que solo debe ser
considerado como una curiosidad dentro de su catálogo.
Pero este trabajo solo era el comienzo de la caída libre de
Megadeth, porque aún podían caer bastante más.
4. COMING
HOME
(Mustaine)
The World Needs a Hero
(Bonus Track Ed. Japonesa). 2001.
La mala
respuesta que obtuvo Risk a
todos los niveles creó diversas tensiones artísticas dentro de la
banda. Como ya hemos comentado Marty Friedman era uno de los que
opinaban que Megadeth debían abrirse a nuevos horizontes y abandonar
el thrash lo máximo posible, pero vistas las malas críticas y tibia
respuesta a su anterior trabajo,Mustaine
creía que debían dar un giro completo al timón y volver sobre sus
pasos. Esta división de opiniones desembocó en la partida de
Friedman de la banda tras nueve años en el puesto de guitarra
solista. Huiría rumbo a Japón, donde acabaría labrándose una
reputada carrera como solista, presentador de televisión y guitar
hero en general.
Por
su parte Mustaine grabó a fuego en su mente el lema aquel de: «si
quieres algo bien hecho hazlo tú mismo», y decidió componer y
producir en solitario el que sería el siguiente trabajo de Megadeth,
titulado The World Needs a Hero.
Tanto
el título como la portada del disco, en la que se veía de nuevo a
la mascota de la banda, Vic Rattlehead, emergiendo triunfal de las
entrañas de Mustaine, eran toda una declaración de intenciones:
Mustaine se proponía volver al metal y reclamar su puesto entre los
grandes. Por desgracia la música elaborada para ese triunfal regreso
no estaba a la altura.
Sería
injusto decir que The World Needs a Hero es
un mal disco, no lo es, pero desde luego tampoco es memorable. Se
aprecia un esfuerzo por volver a terrenos metálicos, con una
producción más cruda y sencilla y con composiciones más afiladas y
agresivas. El problema es que la inspiración no acompañaba y los
temas, aunque buenos, pasaban totalmente desapercibidos para el
oyente. El tema Return to Hangar resume
a la perfección los males del disco. Planeado como la segunda parte
de uno de los temas más míticos de Rust in Peace, nos
encontramos con queel
resultado por contra distaba mucho de aquel, con riffs bastante menos
memorables y un Al Pitrelli que, aunque correcto, estaba muy lejos de
la genialidad de Friedman. Y así pasaba con todo el disco, buenas
intenciones pero poca materialización.
La crítica no terminó de creerse lo de la «vuelta a las
raíces», y las ventas tampoco acompañaron mucho en un panorama
bastante poco apto para el metal en general, por lo que Megadeth,
lejos de recuperar ningún podio, fue relegada a banda de segunda
línea. Mustaine, aunque decepcionado, se mostraba con esperanzas
puestas en el futuro, asegurando haber encauzado el rumbo de
Megadeth. Poco podía sospechar que el final estaba cerca y que, tan
solo unos meses más tarde, la banda ya no existiría.
5. GOOD
MOURNING/BLACK FRIDAY
(Mustaine)
Peace Sells... but Who's
Buying? 1986.
Mustaine
siempre ha sido un tipo difícil, y tanto su carrera como incluso su
vida han pendido varias veces de un hilo. Por todos es sabido que su
expulsión de Metallica fue debida al carácter violento y los
problemas de alcoholismo que siempre han acompañado a Dave. Una vez
ya en Megadeth se metió de lleno en la heroína, llegando a tener
momentos bajísimos, como durante el rodaje del videoclip No More
Mr.Nice Guy, en el que se
tuvieron que repetir decenas de tomas y hacer magia en la sala de
montaje, ya que durante el rodaje el bueno de Dave estaba tan puesto
que no era capaz de coordinar las manos con la boca. Sus diversas
adicciones le han llevado a estar más de quince veces ingresado en
centros de rehabilitación, a estar varias veces a las puertas de la
muerte por sobredosis y, finalmente, a abrazar el cristianismo. La
carrera de Dave Mustaine, y por consiguiente de Megadeth, ha podido
acabar muchas veces y de muy diversas y trágicas formas, pero cuando
finalmente pasó no fue por un violento altercado o por una terrible
sobredosis, fue por quedarse dormido en una silla. Sí amigos, la
vida es sorprendente.
En el año 2002 Mustaine estaba recluido en un centro de Hunt,
Texas, para tratar su adicción a los analgésicos. Se encontraba
cansado y decidió echarse una cabezadita de media hora en una silla.
Cuando se despertó comprobó que había perdido la movilidad del
brazo izquierdo. Al principio se lo tomó con humor, se le había
dormido el brazo, sin más. Pero empezó a angustiarse de verdad
cuando, pasados varios minutos, la movilidad no volvía al brazo. Fue
corriendo al médico que le esclareció lo ocurrido: resulta que se
había dormido en una posición muy peculiar que había dañado
irremediablemente los nervios de su mano, necesitaría de meses de
dura rehabilitación para recuperar algo de movilidad, y no era
seguro que pudiese volver a tocar la guitarra nunca más.
El
mazazo fue terrible, y una vez recuperado del shock la primera
decisión, una de las más duras de su vida, fue evidente: Megadeth
había llegado a su fin. Así se anunció en rueda de prensa poco
después.
Recuerdo enterarme del fin de Megadeth por una de las revistas
musicales de la época, a través de un pequeño recuadro en la
sección de noticias. No hubo grandes despliegues, ni despedidas ni
homenajes. Tras varios fiascos seguidos Megadeth se encontraba en
esos momentos en un nivel de popularidad bajísimo, y su disolución
definitiva solo parecía el paso lógico tras años de deriva. Nadie
pareció especialmente sorprendido o preocupado por el fin de una
banda cuyos años de gloría habían quedado ya bastante atrás.
Ahora solo quedaba poner el punto final y disfrutar de su legado.
O quizás no...
6. BACK IN
THE DAY
(Mustaine)
The System Has Failed.
2004.
Mustaine no
solo es un tipo con una personalidad adictiva, también es bastante
cabezón, por lo que no se dio por vencido y, tras mucha
rehabilitación, consiguió superar el problema en su mano y volver a
tocar la guitarra en tiempo record, algo que sorprendió a sus
incrédulos médicos.
Con Megadeth
enterrados Dave se propuso comenzar una carrera en solitario. Compuso
un buen puñado de temas y contrató a un grupo de músicos de sesión
para grabarlos. El problema a la hora de editarlos fue que por
obligaciones contractuales aún debía un disco a la compañía bajo
la firma de Megadeth, así que aquel disco que iba a ser el debut de
Dave Mustaine en solitario se transformó en el décimo disco de
Megadeth, titulado The System Has Failed.
Ya
desde su primer corte, titulado Blackmail the Universe,
podíamos comprobar con
entusiasmo y cierta sorpresa que Mustaine había recuperado su mojo.
Ya solo este tema estaba a un nivel bastante superior a todo lo
editado por la banda desde hacía años, y el resto del disco
sorprendentemente estaba a la altura.
Con
una formación de ensueño, que incluía al enorme batería Vinnie
Colaiuta, el bajista Jimmie Lee Sloas (por primera vez desde su
formación un disco de Megadeth no contaba con la labor de Dave
Ellefson) y el regreso en la guitarra solista de Chris Poland, viejo
conocido de los primeros discos de la banda. Contando con una
producción fabulosa y, por fin, una serie de temas inspirados y
coherentes, podemos considerar The System Has Failed como
el verdadero resurgir de Megadeth en todos los sentidos. Había
auténticos trallazos, como el tema mencionado o Kick the
Chair, medios tiempos repletos
de riffs inspirados en The Scorpion o My Kingdom, textos
de corte político (The System Has Failed)y autobiográfico (Of
Mice and Man, Back in the Day)
y, sobre todo, la esencia y el sabor de los mejores Megadeth
planeando por el que podría decirse, con permiso de Cryptic,
que era el mejor lanzamiento de
la banda desde Youthanasia. Megadeth
habían regresado por la puerta grande.
7.
BURNT ICE
(Mustaine)
United
Abominations. 2007.
Las
críticas a The System Has Failed fueron
fabulosas. Y las ventas, aunque alejadas de los días de mayor
gloria, tampoco se quedaron atrás. El panorama musical también era
propicio, la gente volvía a tener hambre de metal, la ola de metal
escandinavo pegaba con fuerza y toda una nueva generación de jóvenes
volvían a enorgullecerse de lucir camisetas de bandas metálicas
como Children of Bodom, Nightwish o Arch Enemy. Uno de los sellos
discográficos más importantes para este resurgimiento del metal fue
Roadrunner, con quienes Mustaine firmó para publicar sus siguientes
trabajos. Renunciando a la idea de una carrera en solitario, algo
absurdo ya que Dave es Megadeth y Megadeth es Dave, el bueno de
Mustaine reclutó a los hermanos Drover y rehízo la formación de la
banda con vistas a la estabilidad futura.
Su
debut para Roadrunner siguió la estela de inspiración abierta por
The System Has Failed: otro
buen puñado de temas metálicos y furiosos, producidos enérgicamente
por Andy Sneap, con baterías y guitarras atronadoras y solos por
todas partes. Contaba también con una pequeña concesión a la
comercialidad, regrabando su mítica balada A Tout le Monde
junto a una de las estrellas del
metal emergentes, Cristina Scabbia de Lacuna Coil. Un movimiento
innecesario pero comprensible para llamar la atención de las nuevas
generaciones de oyentes.
United
Abominations tuvo una muy buena
respuesta tanto de crítica como de público. Megadeth estaban
imparables y reclamaban su puesto en la escena. Se avecinaba algo
gordo.
8.
1320
(Mustaine)
Endgame.
2009.
La
banda sufrió un pequeño varapalo cuando el guitarrista Glen Drover
decidió abandonar la formación para pasar más tiempo con su
familia. Dave contrató a Chris Broderick para cubrir el puesto, todo
un virtuoso en alza que maravillaba a las publicaciones de guitarra
con sus piruetas sobre el mástil. Con este nuevo recluta se metió
en el estudio de grabación, en el que le esperaba nuevamente Andy
Sneap a los mandos, para dar forma al que sería unos de los discos
más celebrados de la banda.
Endgame se
publicó en Septiembre de 2009, y desde su mismo lanzamiento se
encumbró al puesto de clásico. Por fin se alineaba todo, el disco
perfecto en el momento perfecto. La crítica puso por las nubes esta
muestra de fuerza y oficio sin fisuras. Era el disco de Megadeth que
todo el mundo quería: 45 minutos de puro metal sin descanso,
plagados de virtuosismo, con puñados de riffs y solos
sobresalientes. Once temas redondos e inspirados, sin ningún
relleno, que mostraban la mejor cara de la banda y que poseían una
potencia que ya nadie se esperaba a estas alturas.
Endgame
descansa plácidamente en lo
alto del podio entre los grandes discos de Megadeth, junto a Rust
in Peace, Countdown o Peace
Sells. Pero como ya habrás
comprobado por lo que llevamos de texto la historia de Megadeth es la
historia de los altibajos, y si con este disco alcanzaron el pináculo
de su «segunda etapa» estaba claro que lo que vendría a
continuación sería nuevamente la cuesta abajo.
9. THE
BLACKEST CROW
(Mustaine)
Super Collider. 2013.
Dicen que el
trece es un número desafortunado. En el caso de Megadeth así fue
con respecto a su treceavo trabajo discográfico. Mustaine no estaba
contento con la gestión de Roadrunner, opinaba que Endgame no
había recibido el suficiente apoyo y la promoción que merecía su
calidad y que podría haber llegado más alto. Esa sospecha hizo que
quisiese dejar la compañía, pero nuevamente estaba atado a un
contrato que exigía un nuevo disco de Megadeth antes de poder
abandonarlos. Intentando quitarse responsabilidades cuanto antes
Mustaine les entregó Thirteen (2011),
un disco que, aunque tiene sus
momentos, es un trabajo hecho con prisas y desgana, destinado
únicamente a cerrar el contrato, y eso se nota.Para
empezar la mayoría de los temas ni siquiera eran totalmente
inéditos, sino que habían aparecido ya en diversas bandas sonoras y
habían sido regrabados para la ocasión, y los temas verdaderamente
nuevos resultaban muy poco inspirados. En resumen se trata de un
trabajo menor, correcto pero a años luz de Endgame, del
que no obstante podemos destacar que significó el regreso del
miembro fundador Ellefson al bajo, tras haber enterrado el hacha de
guerra con Mustaine.
Tras
el típico periodo en la carretera, que incluyó una serie de shows
especiales celebrando el aniversario de Countdown to
Extinction, la banda entró
nuevamente en el estudio. Su nuevo disco, titulado Super
Collider (2013), era
esperado con bastantes ganas, Mustaine se había mostrado
entusiasmado con las nuevas composiciones y prometía algo diferente
y demoledor. Cuando finalmente se editó el disco debutó muy bien en
las listas, alcanzando el mejor puesto de la banda desde la época de
Youthanasia, lo que
confirmaba las ganas del público por nueva música, pero una vez
escuchado la crítica lo vapuleó, y el público en líneas generales
también se mostró bastante decepcionado. El problema es que todo el
mundo esperaba con ansias una continuación de Endgame y
Mustaine, por contra, había tirado por un camino completamente
distinto. Personalmente creo que Super Collider es
un buen disco que ha sido injustamente apaleado. Al igual que sucedió
con Risk e incluso, en
menor medida, con Cryptic Writings, lo
queDave pretendía
era ofrecer algo fresco y novedoso, pero se encontró con la
reticencia de un público que demandaba algo más tradicional al
espíritu de la banda. Si se escucha el disco con una mentalidad
abierta nos encontramos con una sólida colección de temas, no
exentos muchos de ellos de bastante filo. Seguía habiendo metal
(Kingmaker, Burnt!, Build for War, Dance in the Rain). Pero
también teníamos cortes más comerciales (Super Collider,
Forget to Remember) y atmósferas
completamente nuevas en Megadeth, como el tema de aires sureños
The Blackest Crow o A
House Divided,bonus
track de la edición especial, que cuenta con unos estupendos
arreglos de viento de sabor mejicano nunca escuchados en Megadeth que
dan al tema un carácter muy especial. Algunos de estos cortes harían
torcer mucho el gesto de los aficionados al metal, y con razón, pero
siendo objetivos podemos decir que se trata de buenas composiciones,
muy disfrutables si nos alejamos de ideas preconcebidas.
En cualquier caso Super Collider supuso un fracaso total
de crítica y público, y provocó la partida de Chris Broderick y
Shawn Drover por diferencias creativas. Otra vez Dave se encontraba
medio solo y con el entorno totalmente en contra, ¿podría
levantarse nuevamente?
10. THE
SKULL BENEATH THE SKIN
(Mustaine)
Killing
Is My Business... and Business Is Good! 1985.
Dave se mostró bastante decepcionado con la respuesta dada a
Super Collider, pero aceptó la situación y se dijo que si la
gente lo que quería era metal veloz y furioso, sin fusiones extrañas
ni excentricidades, podía darles otra ración perfectamente, sabía
de sobra como hacerlo. Suplió las bajas con dos fichajes de altura:
Kiko Loureiro, virtuoso guitarrista de la banda de power metal Angra,
y Chris Adler, batería de los brutales Lamb of God, aunque este
último era un fichaje en principio sin continuidad a largo plazo,
reclutado solo para la grabación del álbum y algunos shows
posteriores. El resultado, titulado Dystopia (2016), se dejaba
de experimentos raros y mostraba la cara más agresiva de Mustaine,
siendo una continuación espiritual de Endgame, ni más ni
menos que lo que la gente esperaba y quería de Megadeth, por ello
recibió al instante estupendas críticas y congració de nuevo a la
banda con su público, como se demostró en la exitosa gira
posterior.
En estos momentos la banda se encuentra en el estudio, dando
forma a otra obra que se prevé agresiva al máximo y que quizás sea
el punto final a la historia de una banda fascinante e imprescindible
en la historia del metal. Una idea surgida en la mente de un Dave
Mustaine adolescente, rabiando en la parte trasera de un autobús que
le llevaba de vuelta a casa tras ser expulsado de Metallica, y que
afronta ahora un nuevo capítulo con la ilusión y seguridad que dan
más de tres décadas de trabajo y entrega. Nosotros ya esperamos con
ganas este nuevo disco, que imaginamos será uno de los grandes
lanzamientos de este año.
¡Aguante Megadeth!
Este texto se escribió originalmente para la web musical Diablorock:
Perdedor nato.
Naufrago social.
En literatura seguidor de bukowski, hunter s. thompson, schopenhauer, dostoievski, fante, celine, carver, auster, irvine welsh, beigbeder, houellebecq, david gonzalez, baroja....
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